miércoles, 13 de abril de 2011

El Habitante de las Formas

El Habitante de las Formas Karl Kohn
Biografía
Karl Kohn nació en Praga el 21 de octubre de 1894, el tercero entre siete hermanos. Sus padres, Hugo Kohn y Amelie Kohnova, fueron oriundos de la región de Bohemia, provincia del Imperio Autro-Hungaro.
En 1914 se graduó como Constructor en la escuela Técnica Alta Ingeniería /de constructores/ de la ciudad de Reichenber (actual liberec. La culminación de sus estudios coincidió con su ingreso a la Armada de la Real e imperial Monarquía Austro Húngara.
Durante la primera guerra mundial, se le nombró oficial en el regimiento N°56 de Artilleros Constructores en Trento (Actual Italia), en calidad de Arquitecto e ingeniero militar y civil. Llegó al grado de capitán y obtuvo varias condecoraciones.
Se caso en 1934 con Vera Schiller con quien tubo dos hijas: Tanya y Katya.
Logró salir de la Republica Checa y llegar con su familia al Ecuador en Julio de 1939.
Obtuvo la Nacionalidad ecuatoriana en 1966.
Fallicio en 1979.
Sus años adultos los dedicó a mirar, dibujar, diseñar y construir.
Kohn Architekts
Entre 1918 y 1920, Karl Kohn estudió en la Academia de arte de Praga, Sección especial de Arquitectura, donde obtuvo el título de Arquitecto-Ingeniero .A partir de este año colaboró con su hermano Otto, también arquitecto, en proyectos arquitectónicos de construcción, remodelación y amueblamiento.
Los hermanos Kohn en la década del 20, se posicionan entre los arquitectos más reconocidos de Praga. Al momento de la invasión alemana , en marzo de 1939, tenían la oficina “Kohn architekts” ubicada en la Plaza Wenceslao, la principal en Praga, y en ella Trabajaban 11 dibujantes.
Sus clientes pertenecieron a la pequeña burguesía: industriales, comerciantes, profesionales y nobles de Bohemia.
Kohn en Ecuador
Urbanismo
Kohn insistió en la necesidad de resaltar los hitos urbanos. Para esto propuso varias estrategias de intervención. En el caso de Quito todas coinciden en la necesidad y obligación de preservar el centro histórico, y, en la urgencia de fortalecer la lectura de El Panecillo y del Itchimbia como áreas verdes, de recreo en la ciudad.
Consideró importante aprovechar los vacíos urbanos para dotar a la población de la infraestructura requerida, de suerte que los nuevos edificios – por el servicio que en ellos se brinde- atraigan al ciudadano y lo motiven a apropiarse del lugar.
Exhortó sobre la necesidad de generar espacio público de calidad, espacio en el que el usuario peatón se el protagonista.
Kohn consideró que los urbanistas deben aprovechar la circunstancia de que el país produce flores todo el año, lo q proporciona una ventaja significativa en comparación con los países que tienen cuatro estaciones, pero el mismo tiempo exige mayor planificación y conocimiento de las especies para lograr espacios armónicos y dinámicos.
En relación con el desarrollo de la ciudad Explica: “los problemas urbanísticos de esta capital deben ser estudiados a diario y con mucho cuidado, precisamente porque Quito está volteando la hoja de una nueva edad, corre peligro de despersonalizarse si no se cuida su arquitectura”.
Para Terminar
El era pragmático. Buscaba su bienestar en la prosperidad común; y estaba muy lejos de comprender que quienes querían borrar todo a pretexto de ser modernos; y, a quienes intentaban aferrarse a tradiciones. Intentó ser un ciudadano del mundo. Disfrutaba Tocar piano, dibujar, conversar con sus amigos, amar a su esposa y a sus hijas, observar y trabajar; trabajar sin cansancio con pasión.
“El arte y el trabajo son una forma de adueñarse de los nuevos entornos, comprenderlos desde las formas y explicarlos con texturas y colores. Entonces las obras no son sólo objetos, también son vida.”
Sus Diseños




Conclusión:
Debemos resolver y comprender los diferentes problemas que tiene la ciudad para así tener una arquitectura funcional y armónica, ya que las necesidades del hombre dependen del espacio en el que habita.

miércoles, 6 de abril de 2011

El Arte Barroco en América

El Barroco Americano
El arte americano presenta características originales a causa de las influencias de los modelos peninsulares y del arte precolombino. En América, el Barroco se desarrolló desde mediados del siglo XVII hasta los comienzos del siglo XIX.
Las características del arte barroco en América
Las obras artísticas realizadas en las colonias americanas presentan algunas características propias que las diferencian de las hechas en Europa. Esta situación se debió a la distancia existente entre las metrópolis y las colonias y a la ausencia en América de grandes artistas europeos. Fue decisiva la presencia de una tradición artística precolombina que influyó en la creación de un estilo particular. Objetos llegados del Asia sirvieron también como fuentes de inspiración, en especial, en el arte desarrollado en las colonias portuguesas y en la zona de la costa del Pacífico.
Los rasgos básicos del estilo barroco se transmitieron a América fundamentalmente por medio de la enseñanza de los religiosos, que utilizaban libros o estampas que contenían obras realiza-das por artistas europeos.
Asimismo, la presencia de artistas europeos, criollos, indígenas y mestizos contribuyó a crear un lenguaje plástico propio de cada una de las grandes regiones americanas.
Una de las principales características del Barroco americano es la importancia que adquirió la arquitectura con respecto a las otras artes. Esta propuesta se debe a la necesidad de crear iglesias para recibir a las poblaciones recientemente cristianizadas. Otra característica importante es la rica decoración de las fachadas y los interiores de los edificios.
Imágenes del Barroco en America
Durante los siglos XVII y XVIII existieron en América diversos centros artísticos.
• En el Virreinato de Nueva España, la arquitectura colonial se destaca por el empleo de diferentes materiales de colores intensos, usados de diverso modo en las diferentes partes de México.
Las torres de los edificios religiosos suelen presentar una gran decoración en sus columnas, comisas y tallas en la parte superior.
En el interior de estos templos suele desarrollarse una exuberante ornamentación, realizada con yeserías y estucos y pintada con vibrantes colores. Los retablos, las imágenes talladas y de vestir y las pinturas transforman a la iglesia en un lugar maravilloso, donde el fiel ora y medita.
• El Virreinato del Perú se caracterizó por las diferentes soluciones que cada región dio a los problemas arquitectónicos. Mientras que en Lima, la capital, se realizo una arquitectura más sobria, en ciertas zonas (Cajamarca, Arequipa, El Callao) se desarrollaron más los elementos decorativos. Una característica general de la arquitectura del Virreinato del Perú es su escaso colorido, a diferencia de la del Virreinato de Nueva España.
Iglesia de ¡a Virgen de Ocotlan, en Tlaxcala, México. Siglo XVIII.
En la fachada de esta iglesia se observa el uso de la chiluca, una piedra de color blanquecino, y del tezontle, de color rojizo. Con la primera se recubrió la zona superior y la portada; con la segunda, la parte baja de las torres.
En el Río de la Plata existieron diferentes regiones estilísticas: Buenos Aires y la región pampeana; la Mesopotamia, donde se hallaban las misiones guaraníes; Córdoba y el centro del territorio de la actual Argentina; el noroeste de la actual Argentina, estrechamente vinculado con el Alto Perú (actual Bolivia).
En la actual provincia de Córdoba, los jesuitas fundaron estancias para cultivos y cría de ganado con el objeto de mantener el Colegio que habían establecido en la ciudad de Córdoba. Las estancias eran centros de producción, a diferencia de las misiones que eran lugares de evangelización.
• En Brasil, fuera de la influencia española, se destacan las esculturas realizadas por El Aleijadinho, un artista brasileño de origen mestizo. Recibió lecciones de su padre, que era tallista y arquitecto, y de otros escultores residentes en Ouro Preto. Las mutilaciones y deformaciones producidas por una enfermedad —su apodo quiere decir “El lisiadito”— no le impidieron cumplir una importante obra como arquitecto, retablista y escultor.
Escuela Quiteña
Escuela quiteña es como se ha llamado al conjunto de manifestaciones artísticas y de artistas que se desarrolló en el territorio de la Real Audiencia de Quito, desde Pasto y Popayán por el norte hasta Piura y Cajamarca por el sur, durante el período colonial (segunda mitad del S. XVI, XVII, XVIII y primer cuarto del S. XIX); es decir durante la dominación española (1542-1824).
También se la considera como una forma de producción artística y fue una de las actividades mas importantes desde el punto de vista económico en la Real Audiencia de Quito.
Origen
Virgen de Quito, la escultura más famosa de la escuela quiteña, obra de Bernardo de Legarda, siglo XVIII.Se considera que su origen es la escuela de Artes y Oficios, fundada en 1552 por el sacerdote franciscano Jodoco Ricke, quien junto a Fray Pedro Gosseal transforma el colegio San Andrés, en el lugar donde se forman los primeros artistas indígenas.Como expresión cultural es el resultado de un dilatado proceso de transculturación entre lo aborigen y lo europeo y es una de las manifestaciones más ricas del mestizaje y del sincretismo, en el cual aparentemente la participación del indígena vencido es de menor importancia frente al aporte europeo dominante.



Características
Las características que denotan su raigambre indígena son:
·         Se da una "quiteñización" de los personajes, muchos tienen rasgos mestizos y atuendos locales.
·         Aparecen con frecuencia costumbres ancestrales aborígenes.
·         Las escenas se ubican en un ambiente propio del paisaje andino, de sus ciudades, de su arquitectura.
·         Existe la presencia de fauna local (llamas en lugar de camellos y caballos; cuy en sustitución del Cordero Pascual; monos, zarigüeyas, tapires, felinos, junto con los clásicos borregos de los pastores, etc.), y la flora nativa se descubre en guirnaldas, bordados, incrustaciones, platería, tallas, etc.) al igual que la adopción de plantas vernáculas sustituyendo las de la iconografía tradicional europea; · en escultura y pintura hay presencia de personajes y costumbres propios del medio; · el ejecutor de la obra de arte es el artesano local, de milenaria tradición artística propia; se da una adopción por "naturalización" de los santos europeos, por ejemplo, San Jacinto de Polonia se conoce como San Jacinto de Yaguachi.
Pintura:
Análisis sensorial:
Podríamos decir que trata de una divinidad ya que está en primer plano, rodeada de ángeles.
Contexto sociológico:
Miguel Santiago era nieto de indios, hijo del Sr. Lucas Vizuete y la Sra. Juana Ruiz, mestizos, quienes lo bautizaron con el nombre de Miguel Vizuete. Queda huérfano de padre siendo aun muy joven siendo adoptado por Hernando de Santiago, quién fue Regidor y Fiel Ejecutor del Cabildo de Riobamba y de quién tomó el apellido.
No se conocen mayores detalles de su niñez y juventud, ignorándose sus maestros de arte. Fue alumno de Hernando de la Cruz y de uno de sus discípulos, un indio franciscano de nombre Domingo, y trabajó también con Sánchez Galique, el autor del cuadro de los “Negros de Esmeraldas”.
Se lo conoce como el pintor violento debido a ciertas leyendas sobre sus impulsos criminales, entre los cuales se dice que le encargó a su mujer el retrato de un Oidor de la Audiencia, al regresar lo invadió un cólera al ver que su obra estaba sucia a causa de un cerdo debido al descuido de su cónyuge, a quien la atacó con una espada cortándole una oreja. Luego de esto llega el Oidor, que tuvo que marcharse debido a que Santiago tenía intenciones de matarlo.[
Análisis simbólico:
En esta obra representa la fuerza de lo divino contra el mal.
Análisis iconográfico:
En esta obra podemos observar que la Virgen está pisando a una serpiente y a la vez esta iluminada en los cielos.
Análisis ideológico:
Lo que inspira esta obra es grandeza la cual esta reflejada en la divinidad la cual personifica la bondad aplastando la maldad.
Análisis formal y estilístico:
La obra esta llena de características de la cual podríamos decir que es un estilo barroco como por ejemplo posee profundidad, formas abiertas, falta de claridad, movimiento y es fantasiosa.
Análisis bibliográfico:
Virgen alada del Apocalípsis Miguel de Santiago
Siglo XVII
Arquitectura:


Análisis sensorial:
La estructura en su fachada principal esta acoplada de detalles ornamentales, también encontramos desproporcionalidad en las accesos principales.
Contexto sociológico:
En las obras de la casa jesuita intervino, en el siglo XVII, el hermano de la orden Marcos Guerra, que llevó la influencia de la arquitectura italiana a Quito, pero la fachada que vemos no se realizó hasta el siglo XVIII, iniciándola el alemán L. Deubler y acabándola el italiano V. Gandofi, miembros también de la orden jesuita y ejemplo del carácter internacional de los modelos para los edificios de la Compañía en Indias. La progresión de los volúmenes de la fachada hacia el eje central culmina en las columnas salomónicas que enmarcan la puerta y marcan el camino del fiel hacia el altar.
Análisis simbólico:
Esta estructura simboliza la religiosidad.
Análisis iconográfico:
Podemos observar el exceso de detalles ornamentales el la fachada principal.
Análisis ideológico:
Cuando notamos a esta estructura nos provoca miedo, miedo lo cual genera una creencia y la creencia genera la religión por lo tanto cuando la observamos concluimos que creemos en la espiritualidad.
Análisis formal y estilístico:
La estructura arquitectónica esta tupida de elementos y detalles que la hacen una obra de arte barroca inconfundible, como por ejemplo el uso de columnas salomónicas, arcos de medio punto, exteriores decorativos luz y sombra, es cóncava y convexa  y sus arcos son adintelados .
Análisis bibliográfico:
Iglesia de la Compañía, Quito- Ecuador
Escultura:
Análisis sensorial:
La escultura representa a la Virgen, la cual esta sobre la luna y sobre una serpiente.
Contexto sociológico:
Bernardo de Legarda fue un escultor ecuatoriano del siglo XVIII.
Virgen de Quito, la escultura más famosa de la escuela quiteña, obra de Bernardo de Legarda, siglo XVIII.Es el artista quiteño que mejor personifica el arte de la escultura en la capital ecuatoriana y uno de los principales exponentes de la llamada escuela quiteña. Su primera intervención artística data de 1731, cuando restauró una imagen de San Lucas. En 1734 hizo una imagen de la Inmaculada para la iglesia de San Francisco, que gozó del favor popular, haciéndose de ella innumerables copias e imitaciones que se encuentran en Ecuador y Colombia.
Análisis simbólico:
Esta estructura simboliza la religiosidad.
Análisis iconográfico:
En esta escultura podemos observar la teatralidad y el movimiento que obtiene el escultor mediarte las ondas que se despliegan sobre sus túnicas llegando así a representar lo melodioso de la espiritualidad.
Análisis ideológico:
Esta escultura es una composición jugosa, llena de movimiento, casi musical por que genera una saciedad de espiritualidad.
Análisis formal y estilístico:
La figura está esculpida sobre madera por lo que obtenemos realismo al representar la piel.
La escultura tiene  varias características que podemos observar como por ejemplo la teatralidad y el movimiento.
Análisis bibliográfico:
Virgen de Quito, la escultura más famosa de la escuela quiteña, obra de Bernardo de Legarda, siglo XVIII.

El Barroco Mexicano:
El período barroco mexicano dura dos siglos: el siglo XVII y el XVIII. En este tiempo, se manifiestan diferentes tendencias del arte barroco.
Las más notables son apreciadas en particular en la arquitectura y son:
·         El plateresco, un arte de transición que se distingue por sus adornos parecidos a los trabajos de orfebrería sobre edificios renacentistas.
·         Un primer período de barroco sobrio visible en las catedrales de México y de Puebla
·         A fines del siglo XVII, el barroco rico, refinado y detallista.
·         Finalmente, el barroco exuberante de mediados del siglo XVIII, caracterizado por sus columnas salomónicas adornadas de frutas y flores, sus abundantes oros y una permanente demostración de la riqueza y de la opulencia de los criollos.
·         El churrigueresco, un estilo más recargado todavía que el anterior, aprovecha la columna estipite.
Arquitectura:

Análisis sensorial:
Podemos observar en esta capilla,  que está compuesta por detalles hechos en pan de oro y que también  esta llena de personajes religiosos.
Contexto sociológico:
En 1591 los españoles denominaron San Francisco de Chamacuero a esta población , y el primer asentamiento ordenado tuvo lugar en el barrio conocido como San Agustín, por esos días se comenzó a construir la iglesia y convento, se dice incluso que uno de los altares barrocos fue donado por el rey de España Felipe II.
Análisis simbólico:
Los detalles en pan de oro en la capilla representa la luz (lo divino).
Análisis iconográfico:
En esta obra podemos  denotar la religión en cada espacio ya que la capilla esta decorada con personajes religiosos.
Análisis ideológico:
En esta obra podemos ver la idea de lo celestial y lo infernal.
Análisis formal y estilístico:
En esta capilla se hace presente es el color, el movimiento, el gusto por el adorno, el brillo y la apariencia.
Análisis bibliográfico:
Villa de Chamacuero, México
El Barroco Cusqueño:
Barroco Andino
A finales del siglo XVI la pintura manierista cede el paso hacia un mayor naturalismo en las obras de arte dando a un nuevo estilo conocido como Barroco. Según el Concilio de Trento, toda obra de arte debe tener como objetivo principal tener una intencionalidad retórica y sensibilizar al espectador, es decir, la obra de arte debe ser fácilmente entendida por todos.

En Italia el mayor exponente del barroco es la Escuela Bolognesa caracterizada por tener grandes luces, utilizar temas mitológicos. Exponentes: Carracci, Tiepolo. Por otro lado, en España el Barroco esta más ligado al estilo tenebrista y utilizó el Claroscuro para modelar la forma y respetando la escala. No embellece la forma ni en lo formal ni en lo temático. Su mayor antecedente lo encontramos incluso antes de Zurbarán, con El Greco (pre-barroco s. XVI)
Podemos distinguir dos etapas del Estilo Barroco, la primera llamada de la plenitud del realismo, tuvo entre sus mayores exponentes en España a Velázquez, Zurbarán y José de Ribera llamado el españoleto. De este último se presume la autoría de los lienzos en el Convento de los Descalzos San Lorenzo y la Lapidación de San Esteban
La segunda etapa llamada del desarrollo pleno del Barroco, se ubica en el último tercio del siglo XVII en España. Se caracteriza por ser una pintura de características mayormente italianas, innova en las composiciones, dándole un mayor dinamismo con ayuda de las perspectivas arquitectónicas (abre puertas y pasadizos). Entre sus mayores exponentes en españoles distinguimos a Valdés Leal y Murillo. Son obra del primero la serie de la vidad de San ignacio de Loyola ubicado en los lunetos de la nave del evangelio de la Iglesia de San Pedro de Lima mientras que al segundo se le atribuye el San José con el niño del Convento de los Descalzos de Lima. Asimismo, destaca la obra de Bartolomé Román, quien pintó la Sereie de Arcángeles de San Pedro de Lima
Arquitectura:
Análisis sensorial:
En esta estructura podemos observar el uso de elementos constructivos como arcos de medio punto, bóvedas y columnas.
Contexto sociológico:
La Catedral del Cusco es el edificio sacro por excelencia. Consagrada en 1669, llevó 132 años de trabajo concluir su construcción, y hoy se caracteriza por su esplendor arquitectónico y por la nobleza de los materiales con que fue decorado su interior: oro, plata, madera de cedro, todos ellos tallados o grabados y distribuidos entre los altares de las tres naves eclesiásticas.
Análisis simbólico:
Esta estructura representa la religión y la fé.
Análisis iconográfico:
En esta estructura podemos observar la monumentalidad de lo “divino”.
Análisis ideológico:
Es una estructura monumental por lo que al admirarla podemos sentir el poder que tiene la espiritualidad sobre el ser humano.
Análisis formal y estilístico:
Es una estructura muy bien estructurada formada por tres naves, también esta formada por arcos de medio punto y decoraciones externas.

Análisis bibliográfico:
“Catedral de Cusco”, Perú
Escuela Limeña (siglo XVII)
La pintura de caballete en Lima estaba fuertemente influenciada por la pintura flamenca, más cerca hacia lo académico y con intencionalidad dinámica, motivo por el cual no tuvo mucha acogida el claroscurismo. De esta etapa destacan cuatro pintores Francisco Escobar, Diego de Aguilera, Andrés de Liebana y Pedro Fernández de Noriega. Estos artistas recibieron el encargo de realizar la denominada Serie de la vida de San Francisco compuesta por 12 pinturas que se encuentran en el claustro mayor del convento limeño.
Pintura Limeña (siglo XVIII)
·         Fray Miguel Adame
·         Cristóbal de Aguilar
·         José Joaquín Bermejo
Escultura
·         Durante el siglo XVII trabajaron en Lima los siguientes escultores:
·         Pedro de Noguera
·         Gomes Hernández Galván
·         Diego de Medina

Pintura:

Análisis sensorial:
En esta obra podemos observar a una reina de los cielos llamada también virgen que está rodeada por súbditos que están adorándola y alabándola y lo mismo desde los cielos.
Contexto sociológico:
La pintura colonial del Perú fue ejecutada casi siempre sobre tela. Muy ocasionalmente aparecen los soportes de madera y es rara la aplicación mural. Los lienzos son a menudo de dimensiones amplias, como que están hechos para decorar los vastos espacios de las iglesias. Y los temas son casi exclusivamente religiosos. Es notorio que la pintura virreinal se origina primordialmente como un arte eclesiástico, usado para decorar y para poblar con su esplendor las naves de los numerosísimos templos que se construían a ritmo acelerado en todas las poblaciones del virreinato. Y como tal, su función era esencialmente didáctica, educativa. Estaba llamada a satisfacer, antes que nada, la inconmensurable necesidad catequizadora que existía en este Nuevo Mundo, en pleno proceso de transculturización.
Análisis simbólico:
Esta obra simboliza el poder de lo divino sobre lo mortal.
Análisis iconográfico:
En esta obra podemos denotar la virgen muy bien representad con súbdito a sus costados y angeles q sostienen su túnica blanca.
Análisis ideológico:
Es una representación de la religión sobre todo del dominio que tiene la divinidad.
Análisis formal y estilístico:
Es una obra que carece un poco de luz por lo que da la sensación de profundidad , también esta conformada de tres partes como es lo terrenal, el purgatorio y lo divino, también podemos concluir que hay formas abiertas como por ejemplo la virgen que se encuentra extendidas sus brazos.
Análisis bibliográfico:
Catedral de Cusco”, Perú
Barroco Portugués en América :
Historia
El estilo barroco llega a Brasil a través de los colonizadores, sobre todo portugueses, laicos y religiosos. Su desarrollo pleno tiene lugar en el siglo XVIII, 100 años después del surgimiento del Barroco en Europa, extendiéndose hasta las dos primeras décadas del siglo XIX. Como estilo, constituye una amalgama de diversas tendencias barrocas portuguesas, francesas, italianas y españolas. Tal mezcla se acentúa en los talleres laicos multiplicados a lo largo del siglo, en los que maestros portugueses se unen a los hijos de europeos nacidos en Brasil y sus descendientes mestizos y mulatos para realizar algunas de las más bellas obras del barroco brasileño. Puede decirse que la amalgama de elementos populares y eruditos producida en las cofradías artesanales ayuda a rejuvenecer entre nosotros diversos estilos, resucitando, por ejemplo, formas del gótico tardío alemán en la obra de Aleijadinho (1730-1814). El movimiento alcanza su auge artístico a partir de 1760, sobre todo con la variación rococó del barroco de Minas Gerais.
Durante el siglo XVII la Iglesia tuvo un importante papel como mecenas en el arte colonial. Las diversas órdenes religiosas (benedictinos, carmelitas, franciscanos y jesuitas), que se instalan en Brasil desde mediados del siglo XVI, desarrollan una arquitectura religiosa sobria y muchas veces monumental, con fachadas y diseños rectilíneos de gran sencillez ornamental, al gusto manierista europeo. Sólo cuando las asociaciones laicas (cofradías, hermandades y órdenes terceras) toman la delantera en el patrocinio de la producción artística en el siglo XVIII, momento en el que las órdenes religiosas ven su poder debilitado, el barroco se fructifica en escuelas regionales, sobre todo en el Noreste y Sureste del país. Sin embargo, la primera manifestación de trazos barrocos, aunque mezclados al estilo gótico y románico, puede encontrarse en el arte misionario de los Sete Povos das Missões [Siete Pueblos de las Misiones] en la región de la Bacia do Prata [Cuenca de la Plata]. Allí se desarrolló durante un siglo y medio un proceso de síntesis artística, por las manos de los indios guaraníes, con base en modelos europeos enseñados por los padres misionarios. Las construcciones de esos pueblos se destruyeron casi por completo. Las ruinas más importantes son las de la misión de São Miguel, en el Estado de Rio Grande do Sul.
También a mediados del siglo XVII, las primeras manifestaciones del espíritu barroco en el resto del país están presentes en fachadas y frontones, sobre todo en la decoración de algunas iglesias. La talla barroca dorada en oro y de estilo portugués, se distribuye por la Igreja e Monastério de São Bento [Iglesia y Monasterio de San Benito] de Río de Janeiro, construida entre 1633 y 1691.

Arquitectura:
Análisis sensorial:
En esta estructura podemos observar la el uso de elementos arquitectónicos como el arco de medio punto .
Contexto sociológico:
La Iglesia São Francisco das Penitências, uno de los patrimonios más valiosos del arte barroco en Brasil, fue construida entre 1657 y 1772 y administrada por el gobierno desde 1938.
Análisis simbólico:
Esta estructura simboliza la religión en todo su esplendor.
Análisis iconográfico:
Esta obra nos muestra la monumentalidad de la religión y su poder sobre la creencia del individuo.
Análisis ideológico:
Es una estructura monumental por lo que al admirarla podemos sentir el poder que tiene la espiritualidad sobre el ser humano.
Análisis formal y estilístico:
La estructura contiene arcos de medio punto, también podemos denotar la simplisidad del diseño pero al mismo tiempo es colosal.
Análisis bibliográfico:
Iglesia “San Francisco De Las Penitencias”-Brasil

 
 

miércoles, 23 de marzo de 2011

Analisis de Pintura, Escultura y arquitectura del Reacimiento

Trabajo de Hitoria del arte
Pintura Renacentista:

Análisis sensorial:
Podríamos decir que la pintura se trata sobre el inhumación de Jesucristo.
Contexto sociológico:
Salvo en sus principios, Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.[
Análisis simbólico:
En esta obra representa la cruda realidad del deceso de Jesucristo.
Análisis iconográfico:
En esta obra podemos observar que Jesucristo ya hace muerto en las manos de sujetos que lo acompañan a su entierro.
Análisis ideológico:
Lo que inspira esta obra es tristeza, porque vemos a Jesucristo muerto en brazos.
Análisis formal y estilístico:
Podemos ver el realismo de la obra, por sus pliegues, degrade y movimiento.
Análisis bibliográfico:
 El entierro de Cristo (1602-1603). Michelangelo Merisi da Caravaggio



 
Análisis sensorial:
Podríamos decir que la obra retrata sobre la creación del hombre.
Contexto sociológico:
Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes que se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento.
Análisis simbólico:
Esta pintura represéntala creación del hombre en este caso la de Adán.
Análisis iconográfico:
Podemos observar que Dios esta representado como un hombre y también podemos denotar que esta rodeado de ángeles suspendidos en el aire, y Adán está recostado en la tierra como intentando alcanzar a Dios.
Análisis ideológico:
En esta obra nos da a entender que el hombre esta a pocos centímetros de alcázar a Dios ya que el hombre fue hecho a imagen y semejanza.
Análisis formal y estilístico:
En esta pintura el artista impregna de realismo a la obra y la hace mediante el degrade color, la influencia de movimiento y el perfecta representación del hombre.
Análisis bibliográfico:
La Creación de Adán (Capilla Sixtina)- Miguel Angel


Escultura:


Análisis sensorial:
En este caso observamos a un hombre fuerte oprimiendo a otro individuo que esta desesperado por liberarse de este.
Contexto sociológico:
Bartolomeo Ammannati es un escultor y arquitecto italiano. Influido por Miguel Ángel y por Sansovino, es un representante típico del manierismo escultórico.
Análisis simbólico:
En este caso podemos ver la fortaleza de un hombre al oprimir a otro.
Análisis iconográfico:
Se trata del más célebre de los héroes griegos, el paradigma de la virilidad y el adalid del orden olímpico contra los monstruos ctónicos. Su extraordinaria fuerza es el principal de sus atributos, pero también lo son el coraje, el orgullo, cierto candor y un formidable vigor sexual.[
Análisis ideológico:
El artista trata de representar la fortaleza de Hércules ante la fuerza de otro individuo .
Análisis formal y estilístico:
Podemos observar como el artista representa la musculatura de Hércules a través de los pliegues que se forman al oprimir al otro sujeto que igualmente esta muy bien representada su complexión.
Análisis bibliográfico:
“Hércules” Bartolomeo Ammannat


Análisis sensorial:
El la escultura observamos a un hombre muy bien detallado con una manzana en su mano izquierda.
Contexto sociológico:
Tulio Lombardo se destacó principalmente en arte funerario, donde formó parte un auténtico clan que siguieron sus dos hijos Antonio y Tulio. Aunque también realizó en escultura monumentos conmemorativos como el monumento a Roselli. Junto a su familia y bajo la dirección de su padre Pietro dirigió las obras de Santa María dei Miracoli, la Madonna Grande de Treviso y San Salvador de Venecia.
Su estilo denota la influencia toscana que también es característica del trabajo de Pietro, a quien acompañó a Venecia con el resto de la familia.

Análisis simbólico:
Esta escultura simboliza el primer hombre creado por Dios sobre la Tierra, hecho de barro, sobre el cual insufló el aliento de la vida.


Análisis iconográfico:
El personaje representado el la escultura no es mas que Adán.
Análisis ideológico:
Esta obra representa la fragilidad, la sencillez y lo hermosa que es la creación de Dios.
Análisis formal y estilístico:
Como podemos observar la escultura es muy bien de tallada, desde sus pies hasta su cabello por lo que le da mucha vida y realismo a la escultura .
Análisis bibliográfico:
Adán”  Tullio Lombardo


Análisis sensorial:
En la esta escultura compuesta podemos observar tres individuos que interactuan en una especie de ejecución.




Contexto sociológico:
El padre de Vincenzo Danti era arquitecto y orfebre, por lo que Vicenzo empezó a interesarse en el taller de su padre en Perugia, por el dibujo y la orfebrería. En 1545 fue a Roma y empezó a estudiar escultura, en 1553 logró obtener un encargo para la realización de una estatua de bronce del papa Julio III, que fue colocada en el exterior de la Catedral de Perugia. Las grandes esculturas en bronce durante ese tiempo eran escasas por lo que se cree que el bronce de Danti se basó en uno de Julio III, realizado por Miguel Ángel.
Análisis simbólico:
En este caso simboliza una ejecución en curso.
Análisis iconográfico:
Las esculturas en interaccion destacan la ejecución de San Juan Bautista.
Análisis ideológico:
La idea de esta obra es que la muerte es inevitable frente a un verdugo de escasa compasión.
Análisis formal y estilístico:
En la obra podemos ver los detalles como los pliegues y la interacción que tienen las esculturas que hacen de esta una escena  excepcional.
Análisis bibliográfico:
Vincenzo Danti- “La decapitación de san juan bautista”



Arquitectura:
Análisis sensorial:
En esta estructura  podemos observar las diferentes tendencias de la arquitectura como es el romanico y también sus diferentes elementos q la complementan como son las columnas, arcos etc. Que la hacen única ante la vista del espectador.
Contexto sociológico:
Andrea Palladio se dedica principalmente a la arquitectura religiosa, mientras que por todo el valle del Véneto aparecen las lujosas residencias para aristócratas vicentinos y venecianos que lo han hecho célebre.
Análisis simbólico:
Esta obra simboliza la grandeza y lo simétrico.
Análisis iconográfico:
Podemos observar en esta obra q esta dedicada a un movimiento en especial como es el griego, por su fachada principal que esta idénticamente estructurada como el templo griego.
Análisis ideológico:
Esta obra representa la grandeza, lo sublime que es la arquitectura en todos los sentidos.
Análisis formal y estilístico:
La estructura en general presenta de varios elementos ornamentales como son las esculturas. También tienen elementos que hacen de la configuración algo único como son los arcos, las columnas y también el capitel griego ubicado en la entrada principal
Análisis bibliográfico:



Análisis sensorial:
En esta estructura podemos ver lo sencilla y bella que es la arquitectura renacentista.
Contexto sociológico:
Baldassarre Peruzzi  como pintor, se forma en la ciudad de Siena en el estilo de Pinturicchio.
Al trasladarse a Roma, su estilo madura en contacto con la obra de Giovanni Antonio Bazzi, El Sodoma y, sobre todo, con Rafael Sanzio.
En sus escenas figurativas hay una tendencia hacia las formas de Rafael, lo que no excluye un detallismo propio de la escuela sienesa, como se puede observar en los frescos de la capilla Ponzetti en la iglesia de Santa María della Pace de Roma. Esta tendencia se irá transformando en composiciones cada vez más artificiosas, de tono manierista, como en La presentación de la Virgen, de la misma iglesia, pintada en 1520. La misma inclinación por lo brillante y decorativo se observa en dos composiciones conservadas en el Museo del Prado, donde el artista parece remontar su inspiración a Perugino, maestro de Rafael, más que a éste último: La continencia de Escipión y El rapto de las sabinas.
Una de sus obras maestras es la La Villa Farnesina construida para el banquero Agostino Chigi (hoy conocida como Farnesina por haber pasado posteriormente a ser propiedad de la familia Farnesio). Aquí Peruzzi aporta un modelo de villa suburbana que poco después será la inspiradora de Antonio da Sangallo el Joven en su Palacio Farnesio. Se trata de un edificio cerrado al exterior y abierto en la parte posterior, mediante la disposición de una planta en U. Las alas laterales se alargan hacia el jardín, permitiendo que arquitectura y naturaleza se fundan y adquieran un tratamiento unitario. En el tránsito entre la zona construida y la natural se inserta un patio, antecedente de los grandes patios de armas del siglo XVII. Al exterior, la mayor parte de los elementos son clásicos, utilizados según una sintaxis no clásica. La fachada se dispone mediante dos pisos, rematados y separados por un cornisamento: en cada uno se dispone un orden monumental de pilastras toscanas, en cuyos intercolumnios se disponen dobles huecos, un gran ventanal de iluminación rematado en cornisa y, sobre él, un pequeño hueco de ventilación. Su reacción a la ortodoxia de los órdenes se observa en el piso superior, donde se dispone un friso decorado con guirnaldas, antinormativo al orden toscano utilizado en las columnas: le corresponderían triglifos y metopas. En la fachada del patio ordena una gran logia de arcadas a modo de galería abierta, flanqueada por las alas del edificio que avanzan hacia el jardín.
Análisis simbólico:
Esta estructura representa la sencillez y también la simetría.
Análisis iconográfico:
Podemos observar lo sencilla de esta arquitectura que no muy detallada pero en si nos brinda una sensación de sobriedad.
Análisis ideológico:
Podemos observar q la estructura se basa en parámetros estilísticos no muy detallistas, da la impresión de sobriedad al verla.
Análisis formal y estilístico:
La estructura es simétrica y muy sobria en cuanto a los detalles concierne.
Análisis bibliográfico:


Análisis sensorial:
En este caso observamos a la majestuosidad de una estructura no tan sobria como la anterior.
Contexto sociológico:
Hijo de un sastre Michelozzo di Bartolomeo, fue aprendiz de Ghiberti en su juventud y colaboró más adelante con Donatello.
Como escultor trabajó, sobre todo, el mármol, el bronce y la plata. La estatua del joven San Juan que se halla encima de la entrada de la catedral de Florencia, así como la que se halla detrás del baptisterio, fueron creadas por Michelozzo. También esculpió una bellísima estatua de San Juan Bautista, en plata, para el altar mayor de la iglesia de San Juan.
El magnífico Palacio Médicis, en Florencia, (1444) construido para Cosme de Médici, fue proyectado por Michelozzo, una de las más notables empresas arquitectónicas que combina la levedad delicada, como característica tanto del gótico prematuro italiano, como con el estilo clásico riguroso. Esta obra constituye, todavía hoy, el arquetipo de un palacio florentino.

Análisis simbólico:
Esta obra representa la influencia que tiene el artista la cual esta reflejada en la estructura como es la influencia árabe, carolingio y gótico.
Análisis iconográfico:
Esta obra esta representada como el anterior caso la majestuosidad de la arquitectura y la no tanta sobriedad que representa .
Análisis ideológico:
Podemos observar q la estructura se basa en parámetros estilísticos detallistas que dan un ambiente de fuerza y poderío.
Análisis formal y estilístico:
La estructura tiene elementaos arquitectónicos muy importantes como son los arcos poli lobulares y los arcos de medio punto.
Análisis bibliográfico:
 
 

Análisis sensorial:
Podríamos decir que la obra retrata los canales de Venecia .
Contexto sociológico:
El padre, Bernardo trabajaba como escenógrafo teatral en las que pintaba amplios decorados para las representaciones. Bajo ésta temprana influencia, el artista empieza a familiarizarse con grandes paisajes urbanos a la vez que empieza a estudiar con Luca Carlevarijs, pintor de escenas callejeras y también es influenciado por otro pintor Marco Ricci.

Análisis simbólico:
Esta pintura representa a los canales de la ciudad de Venecia.
Análisis iconográfico:
Podemos observar los canales de Venecia en Italia constituye la mayor zona húmeda de este país. Está regada toda ella por múltiples canales de distinta longitud y distinta anchura. El mayor de todos es el Gran Canal, que recorre Venecia trazando una S. Le sigue en tamaño e importancia el canal Regio o Cannaregio.
Análisis ideológico:
En esta obra podemos denotar que  el artista representa la belleza de los canales de Venecia.
Análisis formal y estilístico:
Podemos observar q el artista recurre a los “puntos de fuga” para obtener una ilusión de profundidad impresionante a de mas de los colores degradados q hace de la pintura una obra maestra.
Análisis bibliográfico:
El Gran Canal y la Iglesia de la Salute (1730)- Giovanni Canaletto.